Trieste Science+Fiction Festival 2026

La questione del voyeurismo dell’arte fotografica del protagonista viene ribaltata in un thriller in cui il fotografo viene minacciato dalla stessa arte che lo ha reso celebre online. Il film prende la strada di Rear Window senza lo stesso interesse nel raccontare gli intrecci del vicinato, ma piuttosto nel costruire un processo al protagonista e al suo stile di vita egoistico, che lo rende cieco rispetto ai rischi in cui mette chi lo circonda. Man mano che i binari della realtà e dei sogni prendono strade molto lontane e diventano inconciliabili, si intravede dove va a parare. Per quanto quella scelta sia ormai abusata nel cinema di genere, in questo caso trova un senso e viene sfruttata con intelligenza. Molto competente da un punto di vista tecnico, con riferimenti e citazioni facilissime da cogliere, tra Refn, Shyamalan e Fincher, vale una visione e sarebbe competitivo anche come alternativa indipendente ai film originali delle piattaforme di streaming come Netflix e Prime Video.

Tratto dall’omonimo videogioco indie di Kotake Create, Exit 8 è una trasposizione sorprendentemente fedele che non tradisce il meccanismo originale e ne fa anzi propria la struttura narrativa, con il corridoio della metropolitana percorso e ripercorso alla ricerca di anomalie, nel tentativo di trovare una via di fuga. Presentato a Cannes nel 2025, il film di Genki Kawamura si inserisce in quel filone di horror sugli spazi liminali già percorso da Backrooms, trasformando quei passaggi di metro in un infinito labirinto della mente e del dubbio, denso di quella sensazione fisica di arrovellarsi su una decisione e di ritrovarsi sempre al punto di partenza. Il protagonista, infatti, è immerso nel dubbio di diventare padre, accettandone le relative responsabilità, e il loop non è altro che la forma del suo rimuginare. Quello che sorprende è che da un impianto tanto opprimente risulti un film che conserva la speranza di farcela, nonostante il pessimismo. Vale la visione e dimostra che l’aderenza a un videogioco non è necessariamente un limite.

Sulla falsariga di Il mio amico robot, nessun dialogo e nessuna parola: le immagini conducono l’intera narrazione. L’animazione, tra l’altro molto ben fatta, richiama lo stile digitale minimale che contraddistingue i prodotti per i più piccoli, strizzando l’occhio anche a un pubblico più adulto con una storia di amicizia e legami affettivi vissuta a distanza e attraverso i ricordi del robot rimasto sulla Terra, in attesa del ritorno di Celeste, che nel mentre vaga nello spazio aperto alla ricerca di forme di vita diverse. Le sue avventure sono costanti richiami alle esperienze di vita che l’hanno resa un’astronauta. Punta tutto sulla delicatezza e sull’approccio sensoriale. Curioso che sia la trasposizione della graphic novel dello stesso Kid Koala, meglio noto per il suo lavoro come dj e turntablist, che ha collaborato con grandi band come Gorillaz e Radiohead.

Gioiellino sui loop temporali: a differenza di lavori come Palm Springs, che sfruttavano il concept per fare una commedia in cui a ogni restart i personaggi erano sempre più propensi a compiere gesti assurdi ma innocui, qui la parte comica, molto forte e divertente, trova un perfetto contraltare nella violenza e nella follia. La paranoia generata da una situazione del genere rende anche la persona più mansueta potenzialmente letale, tirando fuori l’indole più profonda che si risveglia con l’istinto di sopravvivenza. Forte su tutti i comparti, scritto bene, non è per nulla banale tenere in piedi un film con un solo gimmick e un paio di location, recitato benissimo e capace di restituire un senso di panico generalizzato. Il migliore del festival.

Non è semplice, come adulti, comprendere il fatto che la linearità di un racconto incentrato su un’adolescente possa muoversi su binari apparentemente illogici, e questa è la richiesta più grossa che il film ti fa. I nessi razionali sono tutti falsati dal fatto che Chloe è una ragazzina, infelice per una vita da fuggiasca, senza contatti con nessuno se non con sua madre, e in maniera immatura cerca disperatamente di creare relazioni umane con i suoi coetanei. Se si supera questo scoglio, è un buon film che parla principalmente di quanto sia facile manipolare la verità, modificando la lente sotto cui le cose vengono percepite ancora prima che viste, persino nell’era digitale in cui ci sembra di poter sapere tutto. Il problema di fondo è l’effetto Simpson: tutti i personaggi sono sempre presenti in tutte le scene, intrecciati in ogni situazione, pilotati a essere nel punto giusto e al momento giusto per poter far proseguire la storia. Un limite di sceneggiatura evidente, che tuttavia non cancella le qualità visive altrettanto marcate degli effetti speciali e un ritmo serrato da blockbuster, che poi sono gli elementi che tengono in piedi la baracca.

Parte come un episodio di Black Mirror, una prigione dorata per due ragazzi che vivono serviti da un padre e dio che non vedono ma con cui possono parlare. È girato interamente in interni, e ciò apre subito la questione di cosa ci sia fuori dalla struttura e del perché i due siano rinchiusi. Inserisce l’elemento di conflitto con una terza figura che rompe il fragilissimo equilibrio tra i fratelli, ma da lì in avanti non sa dove andare: ogni svolta è leggibile con largo anticipo e si perde il senso generale. È un survival movie in cui manca del tutto il survival, e l’effetto sorpresa che cerca di creare muore sul nascere. Avrebbe fatto fatica anche ridotto a mediometraggio; come lungometraggio è un’opera priva di mordente che non ha né capo né coda.

Esordio alla regia di Makoto Ueda, già apprezzato autore della sceneggiatura di Beyond the Infinite Two Minutes, il film prova ad aggirare i forti limiti di budget imboccando la strada metacinematografica alla One Cut of the Dead, ma senza possederne la travolgente energia anarchica né una reale motivazione strutturale. Il dispositivo dei due schermi che si riflettono a vicenda genera un crescendo caotico e bizzarro, con momenti anche divertenti, ma resta confinato allo stato di trovata estemporanea che esaurisce la spinta iniziale prima del tempo. Un esperimento curioso, che funziona come intuizione ma fatica a reggere la tenuta d’insieme.

Un B-movie che non si vergogna di essere tale: parte con titoli di testa che sembrano usciti da uno speciale di CSI, poi adotta il setting da palazzone alla Rec, in un microcosmo dominato da astio e totale assenza di empatia, e ci inserisce i ragni assassini per far esplodere una tensione sociale nata ben prima dell’infestazione. È tutto fuorché sottile, ma ha l’enorme pregio di non prendersi mai sul serio, per cui anche quando i personaggi fanno saltare ogni schema logico di narrazione si destreggia nel renderlo il più divertente possibile, regalandoci una resa dei conti tra Matilda Lutz e la Madre Ragno che non mi sarei mai immaginato.

Incredibilmente ispirato a una storia vera, e in questo caso il disclaimer è sensato perché le vicende sono assurde su vari livelli, Herzog nasconde dentro le deliranti peripezie legali, sociali e speleologiche delle sorelle Mara un film che fa poca strada nella sua sterminata filmografia. Stanco e confusionario nelle sue intenzioni, Bucking Fastard sembra più un pretesto narrativo per inserire anche nella fiction l’amore per la natura e per i paesaggi rurali montani di un autore che certamente nella seconda fase della sua carriera si è contraddistinto nella sua impresa documentaristica. Non offre nient’altro: sprazzi di visioni che sembrano ormai appannate e lontane dalla coesione necessaria per un film che vorrebbe unire l’intrattenimento del racconto con la spettacolarità dell’espressione naturalistica.